Escultura. Arte de modelar, tallar y esculpir en barro, piedra, madera, metal u otra materia conveniente, representando en volumen, figuras de personas, animales u otros objetos de la naturaleza o el asunto y composición que el ingenio concibe.
Origen
El origen de la escultura puede explicarse considerando cuán natural es en el hombre la tendencia a imitar, en volumen, las formas de la naturaleza y qué espontáneo placer experimenta el alma humana en la rítmica combinación de la línea y la masa.
Este arte ha creado en el curso de su historia, dos clases de belleza: la imitativa y la imaginativa. En esa esfera de la expresión humana que denominamos creación artística, la actividad específica de la escultura es el proceso de representación de una figura en tres dimensiones. El objeto escultórico es por tanto sólido, tridimensional y ocupa un espacio.
Procedimientos
El procedimiento para generar dicho objeto nos remite a las variedades técnicas de la escultura. Según los tratadistas italianos del Renacimiento (Alberti, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel), un escultor es aquel que quita materia de un bloque hasta obtener una figura. Por consiguiente, esculpir o tallar es quitar, y es escultor quien sabe quitar lo que sobra en un bloque, de material sólido, que contiene un objeto escultórico en potencia. Así lo manifestaban dichos escritores para poner de relieve el contraste entre escultura y pintura, ya que esta última consiste, por el contrario, en añadir.
En la eliminación de la masa sobrante estriba la dificultad de la escultura, Se trata de una operación conceptual y técnica a la vez. Para poder extraer la figura del claustro en que está recluida, el escultor tiene previamente que verla, y después, valerse del oficio. Un escultor que no haya previsto cabalmente la imagen que desea expresar puede, con todo, llevar a cabo una escultura, pero el resultado apenas convencerá al contemplador. Ya la inversa, de poco le servirá la idea si desconoce los medios para convertirla en objeto artístico.
Pero también es escultor el modelador, el que efectúa un modelado, quien lo mismo que el pintor, agrega, valiéndose de un material blando (Cera, Arcilla, Yeso). El modelado pertenece, pues, al campo de la escultura, pero difiere radicalmente de la escultura propiamente dicha por lo que concierne al procedimiento. No será ya necesario adivinar, se podrá concebir sobre la marcha, e incluso cambiar el plan previsto. En sentido estricto, sólo es escultura la primera. Hoy, sin embargo, no se tiene una apreciación tan radical, y en materia de creación artística se considera la operación de modelar tan válida como la de quitar de un bloque.
El modelado es especialmente apto para el momento creativo, como lo es el dibujo. El artista podrá, indistintamente, añadir o quitar de la masa blanda. De ordinario, hará numerosos bocetos de tamaño pequeño, y finalmente un modelo a escala de la escultura que pretenda llevar a cabo. Pero también hacen escultura los que modelan con intención definitiva, bien para ofrecernos el material ya endurecido, bien para trasladarlo a otro material (vaciado) por mediación de un molde. El fundido en bronce y metales nobles será, pues, una manera de hacer escultura.
El origen de la escultura puede explicarse considerando cuán natural es en el hombre la tendencia a imitar, en volumen, las formas de la naturaleza y qué espontáneo placer experimenta el alma humana en la rítmica combinación de la línea y la masa.
Este arte ha creado en el curso de su historia, dos clases de belleza: la imitativa y la imaginativa. En esa esfera de la expresión humana que denominamos creación artística, la actividad específica de la escultura es el proceso de representación de una figura en tres dimensiones. El objeto escultórico es por tanto sólido, tridimensional y ocupa un espacio.
Procedimientos
El procedimiento para generar dicho objeto nos remite a las variedades técnicas de la escultura. Según los tratadistas italianos del Renacimiento (Alberti, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel), un escultor es aquel que quita materia de un bloque hasta obtener una figura. Por consiguiente, esculpir o tallar es quitar, y es escultor quien sabe quitar lo que sobra en un bloque, de material sólido, que contiene un objeto escultórico en potencia. Así lo manifestaban dichos escritores para poner de relieve el contraste entre escultura y pintura, ya que esta última consiste, por el contrario, en añadir.
En la eliminación de la masa sobrante estriba la dificultad de la escultura, Se trata de una operación conceptual y técnica a la vez. Para poder extraer la figura del claustro en que está recluida, el escultor tiene previamente que verla, y después, valerse del oficio. Un escultor que no haya previsto cabalmente la imagen que desea expresar puede, con todo, llevar a cabo una escultura, pero el resultado apenas convencerá al contemplador. Ya la inversa, de poco le servirá la idea si desconoce los medios para convertirla en objeto artístico.
Pero también es escultor el modelador, el que efectúa un modelado, quien lo mismo que el pintor, agrega, valiéndose de un material blando (Cera, Arcilla, Yeso). El modelado pertenece, pues, al campo de la escultura, pero difiere radicalmente de la escultura propiamente dicha por lo que concierne al procedimiento. No será ya necesario adivinar, se podrá concebir sobre la marcha, e incluso cambiar el plan previsto. En sentido estricto, sólo es escultura la primera. Hoy, sin embargo, no se tiene una apreciación tan radical, y en materia de creación artística se considera la operación de modelar tan válida como la de quitar de un bloque.
El modelado es especialmente apto para el momento creativo, como lo es el dibujo. El artista podrá, indistintamente, añadir o quitar de la masa blanda. De ordinario, hará numerosos bocetos de tamaño pequeño, y finalmente un modelo a escala de la escultura que pretenda llevar a cabo. Pero también hacen escultura los que modelan con intención definitiva, bien para ofrecernos el material ya endurecido, bien para trasladarlo a otro material (vaciado) por mediación de un molde. El fundido en bronce y metales nobles será, pues, una manera de hacer escultura.
Historia
Desde los tiempos más remotos el hombre ha tenido la necesidad y la oportunidad de esculpir. Al principio lo hacían con los materiales más simples y que estaban a la mano: barro y madera. Después fueron empleándose la piedra, los metales y todos los demás que pueden verse en la sección "Materiales y técnicas tradicionales" y en "Materiales y técnicas de los tiempos modernos". Los pueblos de la prehistoria hicieron esculturas relacionadas con la religión y los mitos. A veces eran simples amuletos. Se han encontrado también en algunos enterramientos de niños, muñecos de todo tipo, algunos articulados como las marionetas.
Las grandes civilizaciones antiguas (Roma, Grecia, Mesopotamia , Egipto, Asia) realizaron grandes esculturas que representaban a sus dioses a sus gobernantes y a sus héroes. Utilizaban los bajorrelieves para narrar grandes batallas y escenas de la vida cotidiana. Estas civilizaciones supieron admirar la escultura como arte y dejaron para la posteridad figuras de adorno hechas por el simple placer de su contemplación. ( Historia de la Escultura Info).
Escultura europea
La escultura europea en la Edad Media tuvo sus características propias. La escuela románica se manifestó como una reacción frente al naturalismo clásico. El escultor no presta casi atención a la anatomía y a la belleza del cuerpo. Sin embargo va evolucionando hasta llegar en el gótico a un creciente interés por la naturaleza y por todos los seres animados. La escultura del gótico trata de dotar a sus personajes de expresiones más humanas que demuestren sentimientos. Los temas casi siempre de religión, aunque como novedad reaparece el retrato, sobre todo con fines funerarios, fruto del incipiente individualismo que tendrá su culminación en el Renacimiento.
En el Renacimiento italiano se inicia la imitación de las obras clásicas con la escultura, antes que las otras artes. Abundaron las estatuas y los relieves en todas las ciudades. Federico II, desde Nápoles, fue el gran impulsor del nuevo estilo que se extendió desde Italia a los demás países. El Barroco sucede al Renacimiento. La escultura es esencialmente decorativa, que expresa movimiento y actitudes propias de una escena teatral y que demuestra la exaltación de los sentimientos. En el Neoclasicismo, la escultura retorna a la antigüedad clásica, no sólo en los temas sino en el estilo.
En el siglo XX aparece una reacción contraria a los escultores del siglo XIX. Inician esta nueva etapa los escultores franceses que aprenden y valoran la belleza de la escultura griega y egipcia. Recuperan el valor de forma y añaden movimiento y equilibrio. En este siglo aparece el cubismo, constructivismo y surrealismo.
Desde los tiempos más remotos el hombre ha tenido la necesidad y la oportunidad de esculpir. Al principio lo hacían con los materiales más simples y que estaban a la mano: barro y madera. Después fueron empleándose la piedra, los metales y todos los demás que pueden verse en la sección "Materiales y técnicas tradicionales" y en "Materiales y técnicas de los tiempos modernos". Los pueblos de la prehistoria hicieron esculturas relacionadas con la religión y los mitos. A veces eran simples amuletos. Se han encontrado también en algunos enterramientos de niños, muñecos de todo tipo, algunos articulados como las marionetas.
Las grandes civilizaciones antiguas (Roma, Grecia, Mesopotamia , Egipto, Asia) realizaron grandes esculturas que representaban a sus dioses a sus gobernantes y a sus héroes. Utilizaban los bajorrelieves para narrar grandes batallas y escenas de la vida cotidiana. Estas civilizaciones supieron admirar la escultura como arte y dejaron para la posteridad figuras de adorno hechas por el simple placer de su contemplación. ( Historia de la Escultura Info).
Escultura europea
La escultura europea en la Edad Media tuvo sus características propias. La escuela románica se manifestó como una reacción frente al naturalismo clásico. El escultor no presta casi atención a la anatomía y a la belleza del cuerpo. Sin embargo va evolucionando hasta llegar en el gótico a un creciente interés por la naturaleza y por todos los seres animados. La escultura del gótico trata de dotar a sus personajes de expresiones más humanas que demuestren sentimientos. Los temas casi siempre de religión, aunque como novedad reaparece el retrato, sobre todo con fines funerarios, fruto del incipiente individualismo que tendrá su culminación en el Renacimiento.
En el Renacimiento italiano se inicia la imitación de las obras clásicas con la escultura, antes que las otras artes. Abundaron las estatuas y los relieves en todas las ciudades. Federico II, desde Nápoles, fue el gran impulsor del nuevo estilo que se extendió desde Italia a los demás países. El Barroco sucede al Renacimiento. La escultura es esencialmente decorativa, que expresa movimiento y actitudes propias de una escena teatral y que demuestra la exaltación de los sentimientos. En el Neoclasicismo, la escultura retorna a la antigüedad clásica, no sólo en los temas sino en el estilo.
En el siglo XX aparece una reacción contraria a los escultores del siglo XIX. Inician esta nueva etapa los escultores franceses que aprenden y valoran la belleza de la escultura griega y egipcia. Recuperan el valor de forma y añaden movimiento y equilibrio. En este siglo aparece el cubismo, constructivismo y surrealismo.
Canon de proporciones
El canon representa en escultura y en pintura lo que el módulo en arquitectura y no es otra cosa, en general, que el conjunto de las medidas proporcionales que se observan en la figura humana.
Los artistas griegos del siglo de oro (siglo V a.n.e.) tuvieron ya su canon atribuido principalmente al escultor Policleto y aunque desde entonces ha ido sufriendo rectificaciones y variaciones en manos de los antiguos y modernos artistas, quedó bastante establecido por el pintor Leonardo da Vinci a finales del Siglo XV acomodándose a él la mayoría de los pintores y escultores. La medida fundamental del canon florentino tomada del hombre bien constituido está en la cabeza. Ésta se considera en altura como la octava parte de todo el cuerpo, siendo la cara la décima parte del mismo y de una altura igual a la longitud de la mano. Estando el hombre en pie y extendiendo los brazos, determina un cuadrado perfecto con las líneas que bajan a plomo y pasan por los extremos de las manos y las que horizontalmente se tienden sobre la cabeza y debajo de los pies. Las diagonales de este cuadrado se cortan en la última vértebra lumbar y fijan en el centro de toda la figura. Tirando una horizontal por dicho punto central se divide el hombre en dos partes iguales y cada una de éstas en otras dos, por líneas paralelas que atraviesen por la mitad del pecho y por las rodillas. La cabeza se divide a su vez en cuatro partes iguales siendo una de ellas la nariz.
El canon representa en escultura y en pintura lo que el módulo en arquitectura y no es otra cosa, en general, que el conjunto de las medidas proporcionales que se observan en la figura humana.
Los artistas griegos del siglo de oro (siglo V a.n.e.) tuvieron ya su canon atribuido principalmente al escultor Policleto y aunque desde entonces ha ido sufriendo rectificaciones y variaciones en manos de los antiguos y modernos artistas, quedó bastante establecido por el pintor Leonardo da Vinci a finales del Siglo XV acomodándose a él la mayoría de los pintores y escultores. La medida fundamental del canon florentino tomada del hombre bien constituido está en la cabeza. Ésta se considera en altura como la octava parte de todo el cuerpo, siendo la cara la décima parte del mismo y de una altura igual a la longitud de la mano. Estando el hombre en pie y extendiendo los brazos, determina un cuadrado perfecto con las líneas que bajan a plomo y pasan por los extremos de las manos y las que horizontalmente se tienden sobre la cabeza y debajo de los pies. Las diagonales de este cuadrado se cortan en la última vértebra lumbar y fijan en el centro de toda la figura. Tirando una horizontal por dicho punto central se divide el hombre en dos partes iguales y cada una de éstas en otras dos, por líneas paralelas que atraviesen por la mitad del pecho y por las rodillas. La cabeza se divide a su vez en cuatro partes iguales siendo una de ellas la nariz.
Materiales
Barro
Es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre por ser fácil de modelar y no necesitar de utensilios especiales, ya que se pueden utilizar simplemente las manos. Con el barro se pueden sacar moldes para después trabajar con otros materiales. Si se emplea como material definitivo debe cocerse; en este caso recibe el nombre de terracota.
Es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre por ser fácil de modelar y no necesitar de utensilios especiales, ya que se pueden utilizar simplemente las manos. Con el barro se pueden sacar moldes para después trabajar con otros materiales. Si se emplea como material definitivo debe cocerse; en este caso recibe el nombre de terracota.
Piedra
Este material es usado desde muy antiguo por encontrarse muy a mano en la naturaleza. Para manejar la piedra se necesitan unas herramientas especiales. Las piedras más comunes en la escultura son:
· Mármol: Roca metamórfica dura, con grano fino y compacto. Su tratamiento de la superficie puede ser muy variable, obteniendo distintas tesituras, como tersura, morbidez, aspereza, etc. Al ser un material muy perdurable es uno de los preferidos por los grandes artistas de la Antigüedad y el Renacimiento.
· Alabastro: Es un mineral de yeso, de color amarillento, parecido al mármol a simple vista. Es frágil y quebradizo, pero fácil de trabajar. Ligeramente traslúcido.
· Piedra caliza: Es blanda y fácil de trabajar; se emplea en labores minuciosas. Tiene la particularidad de hacerse más dura con el paso del tiempo. Su conservación depende mucho de la calidad de las canteras ubicadas en distintas zonas geográficas. Se ha utilizado mucho para la escultura monumental.
· Otras piedras duras, como la Diorita o el Granito.
· Metales preciosos y otros materiales, como el oro, la plata o el marfil.
Este material es usado desde muy antiguo por encontrarse muy a mano en la naturaleza. Para manejar la piedra se necesitan unas herramientas especiales. Las piedras más comunes en la escultura son:
· Mármol: Roca metamórfica dura, con grano fino y compacto. Su tratamiento de la superficie puede ser muy variable, obteniendo distintas tesituras, como tersura, morbidez, aspereza, etc. Al ser un material muy perdurable es uno de los preferidos por los grandes artistas de la Antigüedad y el Renacimiento.
· Alabastro: Es un mineral de yeso, de color amarillento, parecido al mármol a simple vista. Es frágil y quebradizo, pero fácil de trabajar. Ligeramente traslúcido.
· Piedra caliza: Es blanda y fácil de trabajar; se emplea en labores minuciosas. Tiene la particularidad de hacerse más dura con el paso del tiempo. Su conservación depende mucho de la calidad de las canteras ubicadas en distintas zonas geográficas. Se ha utilizado mucho para la escultura monumental.
· Otras piedras duras, como la Diorita o el Granito.
· Metales preciosos y otros materiales, como el oro, la plata o el marfil.
Bronce
Es quizás es material más duradero pero al mismo tiempo es el más difícil de trabajar y necesita la ayuda de otras técnicas como el modelado en barro o escayola. Se ha utilizado sobre todo para escultura urbana de monumentos de personajes, fuentes, etc. La técnica más destacada en el trabajo con bronce es la denominada «cera perdida», consistente en realizar el molde en cera y recubrirlo de barro u otra sustancia refractaria. Una vez seco se vierte el bronce colado que va fundiendo la cera y ocupando su lugar. La cera líquida se evacua a través de orificios practicados en el barro.
Es quizás es material más duradero pero al mismo tiempo es el más difícil de trabajar y necesita la ayuda de otras técnicas como el modelado en barro o escayola. Se ha utilizado sobre todo para escultura urbana de monumentos de personajes, fuentes, etc. La técnica más destacada en el trabajo con bronce es la denominada «cera perdida», consistente en realizar el molde en cera y recubrirlo de barro u otra sustancia refractaria. Una vez seco se vierte el bronce colado que va fundiendo la cera y ocupando su lugar. La cera líquida se evacua a través de orificios practicados en el barro.
Madera
Es un material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas y buenos resultados. Hay muchos tipos de madera y según sus cualidades puede dejarse la escultura en su color natural o por el contrario pintarse en un policromado adecuado a cada textura. Las maderas llamadas nobles se dejan en su color natural. Son el Nogal, Roble, Haya, Cedro, Caoba y otras. La madera se corta al menos cinco años antes de ejecutar la obra, en la estación de invierno cuando la savia está en las raíces y de esta manera se consigue que esté bien seca y sin dar lugar a descomposición de la materia. Los árboles presentan unos troncos con diámetros más o menos limitados y eso obliga a veces a que se hagan piezas diferentes y apropiadas para llevar a cabo la obra. Los trozos se unen con espigas y se pegan a veces con una cola especial. Si la escultura tiene un acabado de policromía, las juntas pueden disimularse menos, ya que la pintura tapará el material de relleno, de lo contrario hay que hacer una labor de verdadero artista. A veces las esculturas de madera se aligeran haciendo hueco su interior.
Es un material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas y buenos resultados. Hay muchos tipos de madera y según sus cualidades puede dejarse la escultura en su color natural o por el contrario pintarse en un policromado adecuado a cada textura. Las maderas llamadas nobles se dejan en su color natural. Son el Nogal, Roble, Haya, Cedro, Caoba y otras. La madera se corta al menos cinco años antes de ejecutar la obra, en la estación de invierno cuando la savia está en las raíces y de esta manera se consigue que esté bien seca y sin dar lugar a descomposición de la materia. Los árboles presentan unos troncos con diámetros más o menos limitados y eso obliga a veces a que se hagan piezas diferentes y apropiadas para llevar a cabo la obra. Los trozos se unen con espigas y se pegan a veces con una cola especial. Si la escultura tiene un acabado de policromía, las juntas pueden disimularse menos, ya que la pintura tapará el material de relleno, de lo contrario hay que hacer una labor de verdadero artista. A veces las esculturas de madera se aligeran haciendo hueco su interior.
Policromía
· Primero se tapan las juntas con tiras de tela encolada.
· Se da en toda la obra una capa de yeso mezclado con agua y cola y a continuación se procede al lijado.
· Se aplica una serie de pigmentos que imitan la piel, las vestiduras, el pelo y todo lo demás.
· Finalmente viene el proceso del dorado. Las partes a dorar llevan una capa de arcilla roja disuelta en cola, como soporte de las finísimas láminas llamadas “pan de oro” que se iban aplicando en pequeñas porciones hasta recubrir la superficie deseada. Encima del oro también se puede pintar o resaltar rayando con un punzón de madera, formando así todo tipo de dibujos necesarios para la obra, como estrellas, flores, dibujos geométricos, etc.
· Primero se tapan las juntas con tiras de tela encolada.
· Se da en toda la obra una capa de yeso mezclado con agua y cola y a continuación se procede al lijado.
· Se aplica una serie de pigmentos que imitan la piel, las vestiduras, el pelo y todo lo demás.
· Finalmente viene el proceso del dorado. Las partes a dorar llevan una capa de arcilla roja disuelta en cola, como soporte de las finísimas láminas llamadas “pan de oro” que se iban aplicando en pequeñas porciones hasta recubrir la superficie deseada. Encima del oro también se puede pintar o resaltar rayando con un punzón de madera, formando así todo tipo de dibujos necesarios para la obra, como estrellas, flores, dibujos geométricos, etc.
Oro y la plata
Por ser metales nobles, confieren a la obra un carácter santuario. Será escultura en tamaño pequeño pero dotada del cariño de lo menudo. El orfebre también puede ser escultor, como lo era Benvenuto Cellini. Es escultura de tamaño pequeño en la que el valor intrínseco es inseparable del valor artístico. Así, cuando el Oro y el arte se reúnen en una obra, ésta asciende a lo trascendental.
Hay además materiales a los que se les otorga una significación mágica o religiosa. Llega un momento en que pierden la significación original, y, depurados, quintaesenciados por su duración histórica, resultan atributos esenciales de determinados géneros. Es lo que ocurre con el jade, material sagrado en extremo Oriente, o con el azabache, con el que se fabricaron tantos exvotos en la Edad Media. Nadie puede pensar en una imagen antigua de Santiago apóstol o una venera de la peregrinación que no fuera de azabache. Y lo mismo puede decirse del cristal de roca, materia con que se ha expresado el arte cortesano de la Europa barroca; y del marfil, destinado a objetos pequeños, depurados, en que se adora a Dios o al rey.
Las formas
El estudio de las formas que intervienen en la obra de arte ha llegado a clasificaciones y tipologías que permiten definir los estilos, sobre todo en el tratamiento de la figura humana. La primera noción formal es la del perfil. En la cabeza radican muchos elementos: la masa de cabellos, en cuya disposición hay ecos de la moda; los ojos, con toda su variedad (desde redondos a ovalados, prominentes o deprimidos, con sacro lacrimal e iris o sin ellos, etc.); la nariz, y muy señaladamente los labios y la boca, sede fundamental de la expresión.
Tórax y abdomen tienen regiones características los pectorales y el pubis. La manera de separarse unas zonas de otras, las arrugas, los pliegues de grasa de la cintura, constituyen un variado elenco en la estatuaria helénica. La rodilla es otro de los puntos esenciales donde los estilos dejan su personalidad, sin duda porque es un punto de flexión muy importante para las actitudes del cuerpo. Y por supuesto el pie, con todas sus posiciones. En cuanto al vestido ya hemos señalado su importancia, tanto por la configuración general de la prendas, como por la forma y disposición de los pliegues. Todo esto atañe principalmente al arte del pasado, pero puede extenderse al actual. A pesar de la desbordada imaginación del arte abstracto, no es difícil una clasificación de determinadas facetas. Las líneas de fuerza constituyen elemento básico para codificar las formas.
Por ser metales nobles, confieren a la obra un carácter santuario. Será escultura en tamaño pequeño pero dotada del cariño de lo menudo. El orfebre también puede ser escultor, como lo era Benvenuto Cellini. Es escultura de tamaño pequeño en la que el valor intrínseco es inseparable del valor artístico. Así, cuando el Oro y el arte se reúnen en una obra, ésta asciende a lo trascendental.
Hay además materiales a los que se les otorga una significación mágica o religiosa. Llega un momento en que pierden la significación original, y, depurados, quintaesenciados por su duración histórica, resultan atributos esenciales de determinados géneros. Es lo que ocurre con el jade, material sagrado en extremo Oriente, o con el azabache, con el que se fabricaron tantos exvotos en la Edad Media. Nadie puede pensar en una imagen antigua de Santiago apóstol o una venera de la peregrinación que no fuera de azabache. Y lo mismo puede decirse del cristal de roca, materia con que se ha expresado el arte cortesano de la Europa barroca; y del marfil, destinado a objetos pequeños, depurados, en que se adora a Dios o al rey.
Las formas
El estudio de las formas que intervienen en la obra de arte ha llegado a clasificaciones y tipologías que permiten definir los estilos, sobre todo en el tratamiento de la figura humana. La primera noción formal es la del perfil. En la cabeza radican muchos elementos: la masa de cabellos, en cuya disposición hay ecos de la moda; los ojos, con toda su variedad (desde redondos a ovalados, prominentes o deprimidos, con sacro lacrimal e iris o sin ellos, etc.); la nariz, y muy señaladamente los labios y la boca, sede fundamental de la expresión.
Tórax y abdomen tienen regiones características los pectorales y el pubis. La manera de separarse unas zonas de otras, las arrugas, los pliegues de grasa de la cintura, constituyen un variado elenco en la estatuaria helénica. La rodilla es otro de los puntos esenciales donde los estilos dejan su personalidad, sin duda porque es un punto de flexión muy importante para las actitudes del cuerpo. Y por supuesto el pie, con todas sus posiciones. En cuanto al vestido ya hemos señalado su importancia, tanto por la configuración general de la prendas, como por la forma y disposición de los pliegues. Todo esto atañe principalmente al arte del pasado, pero puede extenderse al actual. A pesar de la desbordada imaginación del arte abstracto, no es difícil una clasificación de determinadas facetas. Las líneas de fuerza constituyen elemento básico para codificar las formas.
Tipos de escultura
La escultura se divide en dos grandes ramas, la estatuaria y escultura ornamental, según que represente la forma humana y exprese las concepciones suprasensibles del hombre o se ocupe en reproducir artísticamente los demás seres de la Naturaleza, Animales o Vegetales. La primera lleva con propiedad el nombre de escultura y tiene un ideal propio, desempeñando la segunda un papel secundario al servir de auxiliar a la primera y a la Arquitectura.
La escultura se divide en dos grandes ramas, la estatuaria y escultura ornamental, según que represente la forma humana y exprese las concepciones suprasensibles del hombre o se ocupe en reproducir artísticamente los demás seres de la Naturaleza, Animales o Vegetales. La primera lleva con propiedad el nombre de escultura y tiene un ideal propio, desempeñando la segunda un papel secundario al servir de auxiliar a la primera y a la Arquitectura.
De bulto redondo
Se denomina también exenta. Es aquella que se puede contemplar desde cualquier punto de vista a su alrededor. Si se representa la figura humana se denomina estatua. Si la estatua representa a un personaje divino o está hecha para el culto religioso se llama imagen. En función de la parte del cuerpo representada, su posición u otras características las escultura de bulto redondo se clasifican en:
· Busto: Sólo representa la cabeza.
· Torso: Le falta la cabeza, piernas, brazos.
· Sedente: Sentada.
· Yaciente: Tumbada.
· Orante: De rodillas.
· Ecuestre: A caballo.
· Grupo: Lo que su nombre indica.
Se denomina también exenta. Es aquella que se puede contemplar desde cualquier punto de vista a su alrededor. Si se representa la figura humana se denomina estatua. Si la estatua representa a un personaje divino o está hecha para el culto religioso se llama imagen. En función de la parte del cuerpo representada, su posición u otras características las escultura de bulto redondo se clasifican en:
· Busto: Sólo representa la cabeza.
· Torso: Le falta la cabeza, piernas, brazos.
· Sedente: Sentada.
· Yaciente: Tumbada.
· Orante: De rodillas.
· Ecuestre: A caballo.
· Grupo: Lo que su nombre indica.
De relieve
Es aquella que está realizada o adherida sobre un muro o cualquier otra superficie, por lo que tiene un único punto de vista que es frontal. Según lo que sobresale del plano se clasifica en:
· Altorrelieve: la figura sobresale más que la mitad de su grueso.
· Medio relieve: sobresale la mitad.
· Bajorrelieve: sobresale menos de la mitad.
· Hueco relieve: no sobresale del plano del fondo.
Es aquella que está realizada o adherida sobre un muro o cualquier otra superficie, por lo que tiene un único punto de vista que es frontal. Según lo que sobresale del plano se clasifica en:
· Altorrelieve: la figura sobresale más que la mitad de su grueso.
· Medio relieve: sobresale la mitad.
· Bajorrelieve: sobresale menos de la mitad.
· Hueco relieve: no sobresale del plano del fondo.
Funciones
Las funciones que puede cumplir la escultura son variadas. A lo largo de la historia, y dependiendo de cada cultura o civilización, han preponderado unas u otras. Entre ellas se destacan la función Religiosa, la Funeraria, la conmemorativa, la didáctica y la ornamental.
Las primeras muestras de escultura de que se disponen corresponden al Paleolítico Superior y en ellas destacan las llamadas «Venus paleolíticas», al parecer de función mágico-religiosa.
La función religiosa queda patente a lo largo de toda la historia de la humanidad. Se trata de representar a los dioses de los diversos pueblos, desde el Egipto antiguo, a Mesopotánia , la civilización hindú, etc., hasta casi nuestros días.
De la función funeraria de la escultura tenemos constancia desde el Egipto antiguo, revitalizada después mediante numerosos mausoleos y monumentos funerarios que recorren desde el Imperio Romano, al gótico, el barroco e incluso la época contemporánea, incluyendo culturas orientales, como es bien visible en el Taj Mahal.
La función conmemorativa la han empleado muchas civilizaciones y regímenes políticos. Con ella se trata de realzar la figura de un personaje importante (emperadores, reyes, gobernantes, héroes...), o sus gestas u obras. También las gestas de algún pueblo o un algún hecho destacable de su historia. Suele ocupar espacios públicos abiertos como plazas, cumpliendo además una función ornamental. Aunque predomina el bulto redondo, puede ser también en relieve como ocurre con la Columna Trajana o el Arco de Tito en Roma.
La función ornamental puede darse ligada a alguna de las otras funciones, aunque a veces puede ser el objetivo principal, como ocurre con la decoración vegetal o la geométrica. En los estilos aniónicos como el islámico o el hebreo, cumple un papel fundamental. También en gran medida la escultura del siglo XX, sobre todo la abstracta, cumple principalmente esta función.
Las funciones que puede cumplir la escultura son variadas. A lo largo de la historia, y dependiendo de cada cultura o civilización, han preponderado unas u otras. Entre ellas se destacan la función Religiosa, la Funeraria, la conmemorativa, la didáctica y la ornamental.
Las primeras muestras de escultura de que se disponen corresponden al Paleolítico Superior y en ellas destacan las llamadas «Venus paleolíticas», al parecer de función mágico-religiosa.
La función religiosa queda patente a lo largo de toda la historia de la humanidad. Se trata de representar a los dioses de los diversos pueblos, desde el Egipto antiguo, a Mesopotánia , la civilización hindú, etc., hasta casi nuestros días.
De la función funeraria de la escultura tenemos constancia desde el Egipto antiguo, revitalizada después mediante numerosos mausoleos y monumentos funerarios que recorren desde el Imperio Romano, al gótico, el barroco e incluso la época contemporánea, incluyendo culturas orientales, como es bien visible en el Taj Mahal.
La función conmemorativa la han empleado muchas civilizaciones y regímenes políticos. Con ella se trata de realzar la figura de un personaje importante (emperadores, reyes, gobernantes, héroes...), o sus gestas u obras. También las gestas de algún pueblo o un algún hecho destacable de su historia. Suele ocupar espacios públicos abiertos como plazas, cumpliendo además una función ornamental. Aunque predomina el bulto redondo, puede ser también en relieve como ocurre con la Columna Trajana o el Arco de Tito en Roma.
La función ornamental puede darse ligada a alguna de las otras funciones, aunque a veces puede ser el objetivo principal, como ocurre con la decoración vegetal o la geométrica. En los estilos aniónicos como el islámico o el hebreo, cumple un papel fundamental. También en gran medida la escultura del siglo XX, sobre todo la abstracta, cumple principalmente esta función.
Herramientas para trabajar
· Hacha y Azuela para el desbastado.
· Gubias y Formones para la talla.
· Maza de madera para golpear el mango de estos útiles
· Escofinas de diferentes tamaños para el acabado.
· Hacha y Azuela para el desbastado.
· Gubias y Formones para la talla.
· Maza de madera para golpear el mango de estos útiles
· Escofinas de diferentes tamaños para el acabado.
Materiales y técnicas en los tiempos modernos
La aparición de nuevos materiales a causa de la Revolución Industrial junto a los deseos innovadores de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX tuvieron como consecuencia la ejecución de obras con materiales y técnicas nuevas. Así serán frecuentes las obras en hierro,aluminio u hormigón. A estas novedades se le añaden otras características como el papel que se le llega a conceder al hueco o la aparición de la escultura cinética (los llamados «móviles»). Además se incorpora el llamado «objeto encontrado», lo que significa que un objeto cualquiera puede pasar considerarse escultura, como ocurrió con la famosa Fuente de Marcel Duchamp.
En definitiva, las técnicas y materiales se diversifican y se hacen más complejas. A menudo, sobre todo las grandes realizaciones, requieren el concurso de instalaciones industriales para su realización. En ellas el escultor se limita al diseño y la dirección de los trabajos, pero apenas toca la obra. En fábricas, los obreros funden los metales, los cortan y los sueldan. O vierten el hormigón sobre encofrados realizados por otros obreros.
En las pequeñas realizaciones el autor puede hacer este trabajo, en el que se llega a utilizar planchas de hierro, alambre, hojalata, madera o una mezcla de estos componentes. También se utilizan distintas variedades del plástico, el vidrio o los fragmentos de azulejo. En definitiva, el material deja ser una limitación para el escultor contemporáneo, que puede así dar rienda suelta a su libertad creadora.
El procedimiento fundamental y clásico seguido por los escultores es el esculpido, sirviéndose de escoplo y buril o cincel según los casos pues incluso los otros procedimientos de fundir y moldear exigen más o menos retoques de cincel si la obra ha de salir perfecta. Se usan además el moldeado o vaciado, el cincelado, el repujado, el embutido, el grabado y el estampado o troquelado.
· Esculpir consiste en quitar partículas al bloque ya desbastado hasta lograr obtener la figura que se pretende.
· Moldear es dar a una pasta la deseada forma añadiendo o quitando porciones de masa.
· Vaciar es obtener una forma en hueco o vacío para llenarla después con fundición o con una pasta cualquiera y lograr la positiva.
· Cincelar es retocar con cincel las figuras obtenidas por el vaciado y también formar bajo relieves con el cincel en una lámina metálica.
· Repujar es producir en una lámina de metal a fuerza de martillo sobre algún molde los relieves y los huecos necesarios par conseguir la forma que se pretende.
· Grabar es rehundir o fijar por incisión (mediante cincel, buril o agua fuerte) sobre material duro un dibujo cualquiera.
· Estampar o troquelar es imprimir sobre una lámina de metal o de pasta un cuño o troquel con las figuras en hueco para que éstas resulten de relieve.
· Embutir es aplicar sobre un molde duro una delgada chapa de metal precioso para que a fuerza de golpes tome sus formas y después, quitando la chapa y uniendo los bordes de ella quede una estatua u objeto artístico hueco pero con apariencia maciza. También se llama embutido e incrustado el resultado de introducir algunas piezas en las abertura o surcos practicados en otras. Son variedades de estas incrustaciones muy usadas en artes decorativas, la taracea que se hace con madera o marfil embutiéndolo en la superficie de algún mueble de madera y la ataujía o damasquinado que se practica introduciendo laminillas de metal precioso en los dibujos abiertos en bronce, hierro o acero. Con estas formas decorativas se relaciona el granulado y la filigrana. Ésta se hace aplicando hilos o cordoncillos de metal precioso encima de otro de la misma clase o inferior produciendo dibujo y aquél sembrando de perlitas metálicas la superficie de la joya o pieza similar.
Esculturas destacadas
· La Venus de Laussel
· La Esfinge de Gizeh
· El David de Miguel Ángel
· Estatua de la Libertad
· La Venus de Laussel
· La Esfinge de Gizeh
· El David de Miguel Ángel
· Estatua de la Libertad
Esculturas famosas y desaparecidas de la antigüedad
· La Atenea Parthenos de Fidias.
· El Zeus Olímpico de Fidias
· La escultura colosal de Nerón en Roma.
· Coloso de Rodas
Fue una estatua de bronce, de tamaño gigantesco que se supone realizada entre los años 303 y 280 adC. Se cree que su autor fue el escultor griego Cares de Lindos, discípulo de Lisipo. Medía 30 metros de altura y estaba situada a la entrada del puerto de Rodas, visible para los barcos que se aproximaban a la isla. Se consideró por los antiguos como la sexta maravilla del mundo. Los escritores romanos hicieron una descripción de esta obra. Se erigió para conmemorar la victoria de los habitantes de Rodas contra el general de Macedonia Demetrio Poliorcetes.
Glosario
· Abstraccionismo: La abstracción como corriente se manifiesta por primera vez en la segunda década del siglo XX. El interés por despejar la obra de todo contenido anecdótico, de hacerla valer por sus propios medios, convirtiéndola en objeto en sí mismo y no en medio de representación de la realidad, define en términos generales las inquietudes de las diferentes tendencias abstractas, surgidas en varios puntos del continente europeo.
· Alegoría: En la pintura y escultura es la representación simbólica de ideas abstractas por medio de figuras, grupos de éstas o atributos.
· Alto relieve: Los volúmenes están unidos a un fondo del que se proyectan, en este caso hasta constituir casi una escultura de bulto.
· Arte pobre: Utiliza materiales pobres o perecederos, uno de los aspectos más importantes de la obra es su carga conceptual.
· Bajo relieve: La figura no sobresale del plano, no se proyecta hacia el espacio exterior.
· Body art: Pertenece a una de las manifestaciones del arte conceptual, donde el artista trabaja sobre su propio cuerpo.
· Cera perdida: Sobre un núcleo de barro semejante al de la forma definitiva se aplica una capa de cera que el escultor trabaja en todos los detalles. La capa de cera se recubre con otra de barro semilíquido que al endurecerse reproduce con exactitud el modelo. Se aplican nuevas capas de barro para ir engrosando el molde y por último yeso hasta crear la concha protectora. En estas capas de molde (desde el barro hasta el yeso) se deja una abertura con un tubo para verter el metal candente. El molde ya preparado se somete al calor para que la cera se derrita y quede un espacio que ocupara el metal cuando se vierta en el molde y se saca la obra para darle el acabado a cincel.
· Cinetismo: Introduce el movimiento en efectos ópticos y la configuración de espacios con objetos tridimensionales que abordan el espacio del cuadro y se construyen con materiales plásticos, máquinas musicales o tubos de neón. La energía, la relatividad, el concepto de proceso, de fenómeno cambiante, transitorio, inestimable y ambiguo lo caracterizan.
· Carrara: Ciudad de Italia que le da nombre a las canteras de donde son extraídos los famosos mármoles, ubicada en la provincia de Massa, a orillas de Aranza.
· Concreto directo: Este material posee la ventaja de la resistencia a la intemperie, con él se ahorra el molde de yeso y vaciado.
· Constructivismo: Movimiento abstracto gestado en Rusia en las primeras décadas del siglo XX. Concibe el arte como construcciones basadas en materiales industriales, y se inscribe en la línea abstracta por sus formas no descriptivas. Trata de vincularse a la realidad que ofrece el mundo tecnificado, aunque haciendo abstracción de sus características. De ahí el respeto absoluto al material y la renuncia de todo color que no esté dado por éste. En la escultura se conciben los volúmenes y los relieves no como masas compactas, sino como planos que se articulan dinámicamente para incorporar el espacio y a la vez crear un ritmo dinámico.
· Dórico: Orden griego cuyo capitel está compuesto por un ábaco y un equino y el fuste es muy robusto.
· Escultura de bulto o exenta: Es un volumen trabajado por todos los planos y exige del espectador un desplazamiento a su alrededor.
· Exvoto: Algo que se ofrece en reconocimiento a una gracia recibida.
· Friso: Franja lisa y esculpida del entablamento entre el arquitrabe y la cornisa.
· Ferrocemento (técnica): Utiliza como material el mortero de arena y cemento blanco en proporción de dos paredes de arena por dos de cemento. El cemento blanco acelera el proceso de fraguado de la mezcla por lo que precisa humedecer constantemente el trabajo. Técnica muy efectiva de gran durabilidad y resistencia a la intemperie. Con esta técnica se le da forma a la pieza con una serie de mallas superpuestas de alambre o de hierro. Luego se prepara la estructura interior tirando el mortero de cemento y arena de manera que la mezcla se adhiera a las mallas y termine fraguándose de un modo homogéneo. Una vez fraguada la mezcla se limpia la superficie y si es necesario se aplica una última capa de terminación con un derretido de cemento para tomar los desperfectos.
· Expresionismo abstracto: En él priman el color, el gesto y la acción. Tiene sus antecedentes en la pintura de Willem de Kooning y Jackson Pollock.
· Happening: Pertenece a una de las variantes del arte conceptual, donde el objeto artístico pierde cualquier valor frente a la primacía del concepto o de la idea, es un arte efímero.
· Hiperrealismo: La escultura hiperrealista se caracteriza por brindar una mimesis absoluta de la realidad, trabajando la figura humana en todos sus detalles. Utiliza el vinyls como uno de sus materiales preferidos.
· Imágenes vestideras: Tipo de imagen proveniente de la religiosidad popular que se caracterizan por tener brazos y piernas articuladas para facilitar quitar y poner vestimenta.
· Minimal art: Forma del expresionismo abstracto que persigue el afán de neutralidad y la negación absoluta de ilusionismo, la mínima complejidad y el máximo orden, elaboración de objetos puros en los que lo fundamental era la idea ya que en muchas ocasiones, los artistas encargaban sus obra a compañías industriales. En este caso escultura y pintura parecen coincidir en sus propósitos.
· Modelado: La técnica de modelar requiere un material dúctil como el barro. Como herramienta se emplearán los dedos y los palillos. En el proceso del modelado el paso esencial es opuesto al de la talla; en vez de sustraerse el material sobrante del bloque hasta obtener el cuerpo básico, hay que empezar por crear el cuerpo básico de la obra.
· Neodadísmo: Incorpora objetos cotidianos a sus obras, convierte determinados objetos en obras de arte. Utiliza el collage y ensamblaje de objetos y desperdicios del consumo.
· Pop art: Tendencia figurativa que rechaza la abstracción. Tuvo su desarrollo más importante durante los años 60 del siglo XX, fundamentalmente en Inglaterra y los Estados Unidos. Las imágenes derivadas de los medios de comunicación de masas, como los cómics, el cartel, la publicidad o los objetos cotidianos pasaron a protagonizar la pintura y la escultura. A Cuba llega en la década del 70.
· Relieve: Los volúmenes están unidos a un fondo del que se proyectan. Sí se proyectan considerablemente hasta constituir casi una escultura de bulto, se les llama alto relieve si la proyección es menor, bajo relieve. Otro tipo de relieve, es el que no sobresale del plano, sino que se proyecta hacia dentro, por lo que se conoce como relieve en hueco o intlagio.
· Rodiniano: Referido al famoso escultor francés Auguste Rodin promotor del realismo e impresionismo en la escultura.
· Repujado: Consiste en golpear la hoja por la parte posterior a fin de obtener los relieves deseados por la otra cara. El acabado se logra mediante el cincel aplicado desde a la cara positiva.
· Talla: Técnica escultórica que utiliza como materiales la piedra y la madera. Es un proceso de sustracción laborioso, que requiere fuerza física y maestría porque no admite rectificación.
· Tinguely: Artista suizo perteneciente al Neorrealismo (década del 60), fundado en Francia. Sus obras registran la realidad sociológica, anexa los elementos de la realidad pura y simple, tal y como está en su estado bruto. Las primeras creaciones de Tinguely son máquinas que hacen pintura abstracta. Después serán pinturas automáticas y funcionarán como un tragamonedas, que pueden hacer hasta 40 000 pinturas gestuales.
· Vaciado: Proceso de obtención de esculturas por medio de moldes y el empleo de un material en estado fluido que se solidifique al secarse o enfriarse.
Fuente:
Anónimo. (2017). Escultura. Recuperado de https://www.ecured.cu/Escultura
· La Atenea Parthenos de Fidias.
· El Zeus Olímpico de Fidias
· La escultura colosal de Nerón en Roma.
· Coloso de Rodas
Fue una estatua de bronce, de tamaño gigantesco que se supone realizada entre los años 303 y 280 adC. Se cree que su autor fue el escultor griego Cares de Lindos, discípulo de Lisipo. Medía 30 metros de altura y estaba situada a la entrada del puerto de Rodas, visible para los barcos que se aproximaban a la isla. Se consideró por los antiguos como la sexta maravilla del mundo. Los escritores romanos hicieron una descripción de esta obra. Se erigió para conmemorar la victoria de los habitantes de Rodas contra el general de Macedonia Demetrio Poliorcetes.
Glosario
· Abstraccionismo: La abstracción como corriente se manifiesta por primera vez en la segunda década del siglo XX. El interés por despejar la obra de todo contenido anecdótico, de hacerla valer por sus propios medios, convirtiéndola en objeto en sí mismo y no en medio de representación de la realidad, define en términos generales las inquietudes de las diferentes tendencias abstractas, surgidas en varios puntos del continente europeo.
· Alegoría: En la pintura y escultura es la representación simbólica de ideas abstractas por medio de figuras, grupos de éstas o atributos.
· Alto relieve: Los volúmenes están unidos a un fondo del que se proyectan, en este caso hasta constituir casi una escultura de bulto.
· Arte pobre: Utiliza materiales pobres o perecederos, uno de los aspectos más importantes de la obra es su carga conceptual.
· Bajo relieve: La figura no sobresale del plano, no se proyecta hacia el espacio exterior.
· Body art: Pertenece a una de las manifestaciones del arte conceptual, donde el artista trabaja sobre su propio cuerpo.
· Cera perdida: Sobre un núcleo de barro semejante al de la forma definitiva se aplica una capa de cera que el escultor trabaja en todos los detalles. La capa de cera se recubre con otra de barro semilíquido que al endurecerse reproduce con exactitud el modelo. Se aplican nuevas capas de barro para ir engrosando el molde y por último yeso hasta crear la concha protectora. En estas capas de molde (desde el barro hasta el yeso) se deja una abertura con un tubo para verter el metal candente. El molde ya preparado se somete al calor para que la cera se derrita y quede un espacio que ocupara el metal cuando se vierta en el molde y se saca la obra para darle el acabado a cincel.
· Cinetismo: Introduce el movimiento en efectos ópticos y la configuración de espacios con objetos tridimensionales que abordan el espacio del cuadro y se construyen con materiales plásticos, máquinas musicales o tubos de neón. La energía, la relatividad, el concepto de proceso, de fenómeno cambiante, transitorio, inestimable y ambiguo lo caracterizan.
· Carrara: Ciudad de Italia que le da nombre a las canteras de donde son extraídos los famosos mármoles, ubicada en la provincia de Massa, a orillas de Aranza.
· Concreto directo: Este material posee la ventaja de la resistencia a la intemperie, con él se ahorra el molde de yeso y vaciado.
· Constructivismo: Movimiento abstracto gestado en Rusia en las primeras décadas del siglo XX. Concibe el arte como construcciones basadas en materiales industriales, y se inscribe en la línea abstracta por sus formas no descriptivas. Trata de vincularse a la realidad que ofrece el mundo tecnificado, aunque haciendo abstracción de sus características. De ahí el respeto absoluto al material y la renuncia de todo color que no esté dado por éste. En la escultura se conciben los volúmenes y los relieves no como masas compactas, sino como planos que se articulan dinámicamente para incorporar el espacio y a la vez crear un ritmo dinámico.
· Dórico: Orden griego cuyo capitel está compuesto por un ábaco y un equino y el fuste es muy robusto.
· Escultura de bulto o exenta: Es un volumen trabajado por todos los planos y exige del espectador un desplazamiento a su alrededor.
· Exvoto: Algo que se ofrece en reconocimiento a una gracia recibida.
· Friso: Franja lisa y esculpida del entablamento entre el arquitrabe y la cornisa.
· Ferrocemento (técnica): Utiliza como material el mortero de arena y cemento blanco en proporción de dos paredes de arena por dos de cemento. El cemento blanco acelera el proceso de fraguado de la mezcla por lo que precisa humedecer constantemente el trabajo. Técnica muy efectiva de gran durabilidad y resistencia a la intemperie. Con esta técnica se le da forma a la pieza con una serie de mallas superpuestas de alambre o de hierro. Luego se prepara la estructura interior tirando el mortero de cemento y arena de manera que la mezcla se adhiera a las mallas y termine fraguándose de un modo homogéneo. Una vez fraguada la mezcla se limpia la superficie y si es necesario se aplica una última capa de terminación con un derretido de cemento para tomar los desperfectos.
· Expresionismo abstracto: En él priman el color, el gesto y la acción. Tiene sus antecedentes en la pintura de Willem de Kooning y Jackson Pollock.
· Happening: Pertenece a una de las variantes del arte conceptual, donde el objeto artístico pierde cualquier valor frente a la primacía del concepto o de la idea, es un arte efímero.
· Hiperrealismo: La escultura hiperrealista se caracteriza por brindar una mimesis absoluta de la realidad, trabajando la figura humana en todos sus detalles. Utiliza el vinyls como uno de sus materiales preferidos.
· Imágenes vestideras: Tipo de imagen proveniente de la religiosidad popular que se caracterizan por tener brazos y piernas articuladas para facilitar quitar y poner vestimenta.
· Minimal art: Forma del expresionismo abstracto que persigue el afán de neutralidad y la negación absoluta de ilusionismo, la mínima complejidad y el máximo orden, elaboración de objetos puros en los que lo fundamental era la idea ya que en muchas ocasiones, los artistas encargaban sus obra a compañías industriales. En este caso escultura y pintura parecen coincidir en sus propósitos.
· Modelado: La técnica de modelar requiere un material dúctil como el barro. Como herramienta se emplearán los dedos y los palillos. En el proceso del modelado el paso esencial es opuesto al de la talla; en vez de sustraerse el material sobrante del bloque hasta obtener el cuerpo básico, hay que empezar por crear el cuerpo básico de la obra.
· Neodadísmo: Incorpora objetos cotidianos a sus obras, convierte determinados objetos en obras de arte. Utiliza el collage y ensamblaje de objetos y desperdicios del consumo.
· Pop art: Tendencia figurativa que rechaza la abstracción. Tuvo su desarrollo más importante durante los años 60 del siglo XX, fundamentalmente en Inglaterra y los Estados Unidos. Las imágenes derivadas de los medios de comunicación de masas, como los cómics, el cartel, la publicidad o los objetos cotidianos pasaron a protagonizar la pintura y la escultura. A Cuba llega en la década del 70.
· Relieve: Los volúmenes están unidos a un fondo del que se proyectan. Sí se proyectan considerablemente hasta constituir casi una escultura de bulto, se les llama alto relieve si la proyección es menor, bajo relieve. Otro tipo de relieve, es el que no sobresale del plano, sino que se proyecta hacia dentro, por lo que se conoce como relieve en hueco o intlagio.
· Rodiniano: Referido al famoso escultor francés Auguste Rodin promotor del realismo e impresionismo en la escultura.
· Repujado: Consiste en golpear la hoja por la parte posterior a fin de obtener los relieves deseados por la otra cara. El acabado se logra mediante el cincel aplicado desde a la cara positiva.
· Talla: Técnica escultórica que utiliza como materiales la piedra y la madera. Es un proceso de sustracción laborioso, que requiere fuerza física y maestría porque no admite rectificación.
· Tinguely: Artista suizo perteneciente al Neorrealismo (década del 60), fundado en Francia. Sus obras registran la realidad sociológica, anexa los elementos de la realidad pura y simple, tal y como está en su estado bruto. Las primeras creaciones de Tinguely son máquinas que hacen pintura abstracta. Después serán pinturas automáticas y funcionarán como un tragamonedas, que pueden hacer hasta 40 000 pinturas gestuales.
· Vaciado: Proceso de obtención de esculturas por medio de moldes y el empleo de un material en estado fluido que se solidifique al secarse o enfriarse.
Fuente:
Anónimo. (2017). Escultura. Recuperado de https://www.ecured.cu/Escultura
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